야성적 아름다움

Alexander Maqueen

42세 나이에 생을 마감한 패션디자이너를 소개하고자 합니다. 알렉산더 매퀸 [ Lee Alexander Maqueen, CBE, 1969년 3월 17일~2010년 2월 11일 ] 은 영국의 패션 디자이너로 프랑스의 패션 브랜드인 지방시(Givenchy)하우스의 수석 디자이너였고,  "올해의 영국 디자이너 상"을 네 번씩이나 수상하기도 합니다. 팝스타 리한나, 레이디 가가 등의 옷을 제작하여 그의 능력이 세계적으로 이슈화 되기도 하였습니다.


알렉산더 매퀸은 영국 이스트엔드 지역에서 택시 운전사의 아들로 태어났습니다. 1985년 학교를 중퇴하고 열여섯 살에 영국의 비스포크 [ Bespoke ] 슈트의 본산지인 세빌로 지역에서 오랫동안 도제 생활을 하였습니다. 비스포크란 미리 만든 패턴을 이용하지 않고 고객의 치수를 직접 재고 몸을 따라 재단하는 슈트입니다. 세빌로는 소설 [ 80일간의 세계여행 ] 의 주인공 필리어스 포그가 사는 동네이기도 합니다. 그만큼 영국의 귀족주의를 정확하게 보여주는 곳입니다.


매퀸은 세빌로에서 패턴 기술과 재봉을 철저하게 배웠다고 합니다. ‘코넬리우스 캘러핸’에서는 코트 제작을, ‘앤더슨 앤드 셰퍼드’에서는 테일러링을 익히며 찰스 황태자의 슈트를 만들었고 마지막으로 ‘깁스 앤드 혹스’에선 군복 제작을 익혔습니다. 그는 세빌로에서 장인 의식에 근거한 테크닉을 전수받아 상상하는 모든 것을 현실의 옷으로 만들니다. 또한 ‘에인절 앤드 버먼’에서 뮤지컬 [레미제라블] 의상을 만들었고, 이곳에서 ‘런웨이 [패션쇼의 무대] 란 퍼포먼스를 선보이는 일종의 무대’라는 점을 배우게 됩니다.


의상 제작 기술을 익히기 위해서라면 그는 어떤 곳이든 가리지 않았다고 합니다. 디자이너 고지 다쓰노 밑에서 일본의 수공예와 장인정신, 앤티크 패브릭과 기모노의 본질을 배웠습니다. 매퀸의 컬렉션에서 끊임없이 변주되는 기모노 의상 작업은 이때의 경험에 기반한 것입니다. 패션 브랜드 ‘로메오 질리’의 패턴 메이커로 일한 후, 런던의 세인트마틴 예술학교에서 정식으로 패션을 공부합니다. 이 시절, 영국판 [ 보그 ] 의 전 편집장이던 이사벨 블로를 만나게 되며, 그녀는 매퀸의 졸업 작품 전체를 사주었고 영국 패션계에 그가 발을 들여놓을 수 있도록 교두보를 마련해주었다고 합니다.



“ 이제 저는 되돌아갈 수도 없습니다. 저는 당신들이 가능할 것이라고 결코 꿈도 꾸어 보지 못한 여행으로 당신들을 데리고 가려고 합니다. ”  [ There is no way back for me now. I am going to take you on journeys you’ve never dreamed were possible.]

- The Metropolitan Museum of Art 의 야성적 아름다움 (Savage Beauty) 특별 전시장에 적힌 맥퀸의 말 -




2010

Plato’s Atlantis, spring/summer 2010



This collection is called Plato’s Atlantis. It’s the last fully realized collection that McQueen created before his death in February of 2010. The collection was inspired by Charles Darwin’s On the Origin of Species and depicted a time when the icecap would melt and we’d be forced to live under the sea again. So instead of telling the evolution of humankind, it actually talked about the devolution of mankind.
The collection was presented against a large LED screen that featured a film directed by McQueen, in collaboration with the photographer Nick Knight, and showed a woman mutating into a sea creature. The entire collection was streamed live over the Internet, very much as a way of creating a dialogue between the designer and the consumer.
The collection ended with Lady Gaga’s “Bad Romance.” She tweeted beforehand that she was going to actually launch it there, and as a result she got so many hits the whole website collapsed. And I think what’s interesting about this particular collection is I feel as if it brought together so many recurring themes in his work— things like nature and technology—and again, McQueen was very much obsessed by dialectical relationships, particularly the idea of man and machine.



2006 / 2007

Widows of Culloden, autumn/winter 2006–7



This hologram of Kate Moss was the finale to the collection Widows of Culloden, and this was an example of a collection that was profoundly autobiographical. Widows of Culloden referred to the last battle of the Jacobite Risings between the Scotts and the Brits and referenced McQueen’s Scottish heritage. What was interesting about this particular ending was that it references a nineteenth-century practice called “Pepper’s ghost,” a device that gives the illusion of a spirit, often used in séances in the nineteenth century. And his choice of model here is interesting. He chose Kate Moss at a time when major design companies were dropping her because of the cocaine scandal, which McQueen always felt was deeply hypocritical. So his choice was political. Part of McQueen’s interest in Scottish history, beyond his own Scottish legacy, was the fact that he always reacted against romantic images of Scotland, which were all about tartan or haggis. When he did reference his Scottish heritage, it usually was in relationship to its turbulent political history.




2005

It’s Only a Game, spring/summer 2005



This collection is called It’s Only a Game and was inspired by Peter Weir’s film Picnic at Hanging Rock. The collection itself was staged as a chess game, and the inspiration for the chess game came from Harry Potter and the Sorcerer’s Stone. Girls walked onto the runway as particular pieces of the chess game. The lead characters of the chess games, in terms of the clothing, were very apparent. And one of the most distinctive pieces was the knight. She was wearing a leather cuirass with a skirt that was made out of horsehair. Her head was covered with a harness and a ponytail that looked like a horse’s tail. And the two queens were actually wearing garments that were inspired by the eighteenth-century panniers, with a wide-hipped silhouette. And the two kings were actually in American footballer outfits with wide shoulder pads and American football helmets.
McQueen was deeply inspired by film throughout his career—Hitchcock, most famously, in collections like Birds—but he was also inspired by films which seemed less artistically driven, like The Green Mile. The finale of the actual collection was a checkmate between the two rival teams, meant to represent Japan on one side and America on the other.





2004

Deliverance, spring/summer 2004



This collection actually has two names based on the two films that inspired it. One was Deliverance by John Boorman and the other was They Shoot Horses Don’t They? by Sydney Pollack. The staging of the collection was based on Sydney Pollack’s film. It showed a Depression-era dance marathon, choreographed by the dancer Michael Clark. It had three chapters. The first chapter showed women in pristine garments dancing the tango and other various dances. The second act presented a frenetic derby, in which the models and dancers ran around in a circle in this frenzy, and the garments they were wearing were much more sporty. And the final act had the models and dancers in utter exhaustion being dragged around the dance floor, just as they were about to collapse. The scene you’re seeing here is the model Karen Elson, with utter fatigue, being dragged around as she’s about to expire.




2003 / 2004

Scanners, autumn/winter 2003–4



This collection is called Scanners. The invitations to this particular collection were brain scans, and the brain scans were actually of McQueen’s own brain scans when he was born. And the actual set was inspired by an Antarctic tundra. Above the tundra, two models were shown struggling against the wind. One of them was wearing a white parachute, and one we see here was wearing an oversized kimono. The elements featured very highly in McQueen’s collections and in his runway presentations. The wind was just another manifestation of McQueen’s deep engagement with nature and the natural environment.




2003

Irere, spring/summer 2003



McQueen, as well as being a fashion designer, art-directed many photoshoots, he art-directed many films, and this film formed the backdrop to the collection Irere that told the story of a shipwreck at sea and a subsequent landfall in the Amazon. And it was peopled with characters like pirates, conquistadors, and Amazonian Indians. The film itself was shot by John Maybury and depicts a moment when a woman falls overboard in a dress that’s referred to as the “shipwreck dress.” As she’s floating down in the ocean, the strands of chiffon get tangled around her legs and arms like seaweed.




2001 / 2002

What a Merry-Go-Round, autumn/winter 2001–2



This collection is called What a Merry-Go-Round. It references the darker sides of the fairground. It was staged on a merry-go-round outside of a Victorian toy shop. The music referenced the voice of the child-catcher from the film Chitty Chitty Bang Bang. And the makeup artist for this particular collection, as for many of McQueen’s collections, was Val Garland, and there are extremely macabre interpretations of clown makeup, with their white, pallid faces, and the whole feeling of the collection had the very sinister quality of a clown at a child’s birthday party.




2001

VOSS, spring/summer 2001



This comes from a collection, VOSS, and this was a good example of McQueen using the conceit of a box within a box within a box. As the audience sat down, they were confronted by a large mirrored box, so that the audience made up of fashion editors would look directly at their reflections in the glass. As the collection commenced, the lights went down in the audience, and the lights went on in the box. The collection ended with the box, which had been there the entire time, and you only saw fluttering sort of things in the actual box, but as the walls of the box came crashing down, it revealed the fetish writer Michelle Olley, staged in a pose that was inspired by the Joel-Peter Witkin photograph Sanitarium. The collection itself was really a statement of the politics of appearance. McQueen was well known for upending conventional standards of beauty, and in this particular case, he was celebrating the idea of difference. For fashion editors to confront an image of a woman who’s not conventionally considered attractive was something that was particularly resonant in this collection.




2000

Eye, spring/summer 2000



This collection is called Eye, and what’s interesting about it is that it was actually staged on the evening when Hurricane Floyd hit America. Most designers canceled their runway presentations, but McQueen felt that the hurricane added to the drama and spectacle. It was a show that was inspired by Islam, and the finale ended with models wearing burkas flying over the runway, which had been morphed into a bed of nails. McQueen’s collections often channeled our cultural anxieties and uncertainties.




1999 / 2000

The Overlook, autumn/winter 1999–2000



This collection is another example of McQueen being inspired by a film. It’s called The Overlook, which was the name of the hotel in The Shining by Stanley Kubrick. This collection was actually staged almost like a huge snow globe. The snowstorm is physically referenced in the clothes themselves, whether you see a crystal top, or whether it’s actually a dress that is designed to look like a snowflake. In the middle there was actually an ice skating rink. This is a good example of McQueen using the runway as theater. Two characters that featured prominently were two redheaded identical twins, a reference to the twins that appeared in the film The Shining.




1998 / 1999

Joan, autumn/winter 1998–99



This collection was called Joan. McQueen didn’t really have muses. He was often inspired by women throughout history—people like Catherine the Great, Marie Antoinette, and in this case Joan of Arc. He liked women who he called “doomed women.” The finale of this particular collection involved a woman walking down the runway styled like molten ash that has solidified. And at the end of it, she had centered herself on the catwalk and a ring of fire sprung up around her. The collection itself had many references to Joan of Arc—garments that were made out of chainmail, but also garments inspired by menswear. Joan of Arc was famous for contravening the conventions of gender in her dress. McQueen rarely used supermodels, beyond Kate Moss. He preferred models who were not that well known, or if they were, he liked disguising their features on the runway with treatments that in a way obliterated their identities. So this particular piece is quite typical of McQueen in terms of the fact that it is covering her face. We are totally unaware of who the actual model is. He did really want the artist to focus more on the artistry of the clothes, rather than the identity of the model.





1999

No. 13, spring/summer 1999



This show was inspired by the Arts and Crafts movement, and it ended with the model Shalom Harlow rotating on a turntable, wearing a white dress, being spray-painted by two industrial robots. Shalom Harlow trained as a ballerina. It is often said that the inspiration behind the collection was the dying swan, but in actual fact the inspiration came from an installation by the artist Rebecca Horn of two machine guns firing paint at each other.




1998

Untitled, spring/summer 1998



This collection is called Untitled. It ended with a series of models walking down the runway being drenched in water. The water was lit with yellow light to give the impression of a golden shower. McQueen originally titled the collection Golden Showers, but because it has pornographic connotations, the sponsor, American Express, objected to the title, and McQueen changed it to Untitled, an ironic reference to titles given to art.


1997

La Poupée, spring/summer 1997



This iconic moment comes from the collection La Poupée, which in French means “doll” or “puppet.” This particular moment involved the model Debra Shaw wearing a manacle. When she walked down the runway, she was constrained by her elbows and her knees. Seeing her walking down the runway with these movements that looked so painful was very difficult to watch at the time. McQueen always denied the fact that it had any connotations of slavery and referenced the fact that the collection itself was inspired by the artist Hans Bellmer’s dolls. But when you first saw it, it was unavoidable to see the undertones of slavery.




Introduction


McQueen always started every collection with an idea or a concept for the runway presentation before the fashions. After the concept, he would have this elaborate sort of storyboard with these various references from art, from film, from music—his influences from everywhere. There’s a famous story about how he was watching Friends one day, and Joey was wearing a green sweater, and Joey’s green sweater inspired an aspect of his collection. So he was such a sponge that inspiration came from everywhere. The actual creative process in terms of the clothes themselves were often designed directly on the mannequin during a fitting. So fittings, for McQueen, were incredibly important.

I think that McQueen saw life cinematically, and I think that that approach to life was something that you see very clearly on the runway. So his interest in extreme weather conditions was part of that sort of dramatic view of life. And I think that one of the reasons why he loved nature so much was because it was so unpredictable. They were spontaneous; it was something that one can never control, and I think that was always something he liked to show in his collections.


Every collection told a story. When you watched one of McQueen’s collections, you were always having these feelings of awe or wonder or fear or terror. My personal opinion was that McQueen was channeling the Sublime through his collections. And certainly the Sublime experience was something that certainly affected the audience. You were always not sure what to expect when you went into a McQueen show. And you also didn’t know what you felt when you left a McQueen show at the same time. You always were left with sort of feelings of confusion, and McQueen often said that he didn’t care whether you liked his collections or not, as long as you felt something. And the intensity of his collections came from the fact that it was often very much about his state of mind at a particular time. For McQueen the runway was primarily a vehicle to express his imagination. He was very dark. That darkness came from a deep romanticism—the darkest side of the nineteenth century—and that’s what I always felt when I saw his collections. He was deeply political as a designer and I think one of the reasons why McQueen’s collections often were so hard to watch is that they often channeled our cultural anxieties and uncertainties, and that was very much part of his raison d’être.

McQueen was well known for upending conventional, normative standards of beauty. He would dress women up in garments that obliterated their features. And certainly the garments that he made can be interpreted as being misogynistic. I think that he felt as if the clothes he was designing for women were armor. So in his mind his clothes were very much to do with empowerment. Fashion wasn’t just about pragmatics; it wasn’t just about wearability. To him, fashion was a vehicle to convey or express complex ideas and complex concepts, but also could use fashion as a way to challenge our boundaries of what we think of as clothing and think about in terms of the requisites or fundamentals of clothing.



work




영국 센트럴세인트마틴스예술대학 패션디자인 석사
웨일스 공 찰스, 미하일 고르바초프 등의 고급양복 디자인 의뢰 및 작업
비요크의 패션 작업, 앨범 아트 작업, 뮤직 비디오 작업
1996년 지방시 [ Givenchy ] 수석 디자이너
1996년부터 2003년까지 최연소 " 올해의 패션 디자이너 상 " 수여
구찌와의 작업 및 패션감독
2005년 퓨마와의 합작
레이디 가가의 패션 및 뮤직 비디오 작업
2003년 대영 제국 훈장 3등급 [ CBE ]




2011 - Exhibition Video






마지막으로 맥퀸의 추모전시가 열렸던 매트로폴리탄 미술관 현장분위기를 뉴욕의 뉴코피아뉴스 칼럼으로 소개합니다.

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알렉산더 맥퀸 = 야성적 아름다움 = 파격


뉴욕 대도시 미술관 (The Metropolitan Museum of Art)의 야성적 아름다움 (Savage Beauty)  특별 전시장에 들어서자 마자, 대번에 알았다. 그는 지구 출신이 아니었다. 우리네 지구인과는 전혀 차원이 다른 외계인이었다. 의상 하나를 보니, 우주를 다 본 듯했다. 무시무시한 창조력이었다. 느긋한 관람 인파를 마구 헤치며 일부러 빠르게 전진했다. 영혼의 흐름을 잡고 싶기 때문이었다.


그래도 10분쯤이나 걸려서 겨우 마지막 부분에 도달했는데, 그만 심각한 암초에 걸리고 말았다. 푸욱 들어간 칙칙한 구석배기에 도저히 눈을 뗄 수 없게끔 연출된 괴상망칙한 설정이 그것이었다. 지구인의 본능적 관찰력과 원초적 호기심과 야성적 추리력과 이성적 감성력을 한꺼번에 요하는 엄청난 파격이었다. 멋진 자신감의 표출이었다. 맛진 창조력의 후식이었다. 그만의 흔적이었다.

자살은 궁극적 자기 부정이다. 그것도 결국 행한 그가 자신의 작품을 부정하는 작업은 실로 일도 아니었을 것이다. 허나, 바로 그런 파격으로 그는 범인의 범주에서 저만치 벗어나 있었던 것이다. 판자벽과 판자 바닥은 초대형 도끼의 일격으로 깔끔하게 속살까지 보이도록 크고 깊게 파손되어 있었고, 의상 네나 중의 하나는 가슴이 가위로 찢기고 또 하나는 국부가 손으로 왕창 뜯겨 있었다.

벽과 바닥 다가 아니고 일부만 그리고 의상 네나 다가 아니고 일부만 그리고 의상 두나 전체 다가 아니고 일부만 다분히 계획적 의도적 제한적 파손을 당한 상태였다. 해서, 누구든지 일단 파손을 목격하면, 면밀한 사태 파악을 위하여 벽과 바닥 전부와 의상 네나 모두와 의상 두나 전체를 매우 찬찬히 보며 작가의 의도를 파악하지 않을 수 없으며, 결국 예술적 파격이란 차원을 접하게 된다.

그의 기행은 분별적 파손이었지 무분별한 파괴는 아니었다. 닫혀지는 창조 틈새를 벌리기 위한 맘부림이었다. 그의 죽음도 어쩌면 침몰하는 창조력의 급부상을 돕기 위한 희생타였는지 모른다. 실로, 그는 영국 런던에 있는 세계 최고 미술 대학인 센트럴 세인트 마틴스(Central Saint Martins College of Art and Design)에서 제자들에게 인간 사고 한계를 초월하는 법을 가르치다 승천했다.

실은, 그의 지구 인생 자체도 파격이었다. 육체는 남자였지만 영혼은 여자였기에, 어렸을 적부터 자연스럽게 누나들의 멋진 옷을 직접 만드는 일에만 정신이 팔려 있었다. 고교도 잠깐 다니다가 중퇴하고는 곧장 런던 시내의 유명 양장점이나 연극 의상점에서 견습생(Apprentice)으로 일했다. 나중에는 이탈리아 밀란의 명품 의상실로까지 흘러가 그만의 끼를 한껏 갈고 닦는 기회도 가졌다.

그러다가 약관 25세의 나이로 런던에 돌아와 일감을 찾다가 대학 졸업장은 커녕 고교 졸업장도 없는 주제에 바로 그 미술 대학교의 의상 수업 도우미(Tutor)로 얼떨결에 취직이 되고 말았다. 허나, 그것도 잠깐이었다. 그의 천부적 재능을 감지한 학장의 고집으로 그는 그 학교의 대학원에 특별 입학하여 의상 꼴짓기(Fashion Design) 전공으로 석사 학위를 받은 것은 물론 교수까지 되었다.

그러니, 그의 몹시 짧았던 지구 인생 전체가 파격(Shock Treatment)이 아닐 수 없는 노릇이었다. 물론, 그가 그만의 독특한 작품으로 전세계 의상계에 남긴 족적은 일일이 언급할 필요도 없겠다. 다만, 한 가지 짚고 넘어가고 싶은 것은 그가 보여준 흠 잡을 데 없이 깐깐한 창조력(Impeccable Creativity)의 차원이다. 그에게 창조력의 고갈이란 끝장을 의미했고 파격은 기발한 돌파구였다.

하찮을 수도 있는 그 초라한 구석배기에 야성적 아름다움 즉 파격이란 전시회의 주제가 은밀하게 숨겨져 있다는 깨달음을 얻고 나서야 걸음을 옮기려고 어깨를 직각으로 돌리며 머리를 쳐들었다. 순간, 몇 걸음도 채 걷지 않았는데, 재언이지만, 강한 영혼 마취를 당했다. 재빨리 열외로 빠졌다. 꺾어진 모서리 저편 판자벽에 적힌 유언 같은 내용을 삼키고는 장장 30분이나 꼼짝하지 못했다.

저만치 옆으로는 빽빽한 인파가 빽빽한 인파에 밀려서 마치 긴 구렁이가 담을 넘어가듯 꾸역꾸역 지나가고 있었고, 바로 지척의 좌우로 길다란 창문 앞에는 그 속에서 천천히 변형되고 있는 입체 영상(Hologram)을 감탄사를 연발하며 들여다보는 흥분된 관람객들로 붐비고 있었다. 준비 없이 얻어맞은 망치의 일격으로 구멍이 뚫린 창백한 영혼은 멍청한 육체 곁에서 동작 그만을 연출했다.

영혼 마취도 그가 기획한 파격의 일부라는 아하 느낌과 함께 마침내 손발을 움직일 수가 있었다. 그 자리에서 멀지 않은 위치에 있던 출구를 급하게 빠져나왔다. 깊은 우물에 빠졌다가 가까스로 헤집고 기어오른 기분이었다. 허나, 마취가 풀린 영혼은 아직 심히 축축하게 젖어 있었다. 그의 선물이었다. 흡사 영원히 멀어질 것만 같던 우주 여행 외길에서 극적으로 돌아온 지구인 같았다.

창조를 통한 파격 그리고 파격을 통한 창조라는 역설적 명제를 잔뜩 머금은 채로, 뉴욕의 대도시 미술관 직원 두엇과 잠시 담소했다. 개막 후 한 달도 채 되지 않았는데, 변변한 선전이나 광고는 커녕 그토록 흔한 전시회 안내서 하나도 준비하지 않았는데, 미술관 구내 지도에는 물론 공식적 전시 목록에도 끼우지 않았는데, 개미 행렬을 보란다. 이것 하나로 미술관 만성 적자도 해소란다.

단지 7월 말에 끝나는 짧은 전시 기간(05/04/2011-07/31/2011)이 흠이지만, 전혀 예상하지도 못했는데 홍수처럼 밀려드는 관람객들의 놀라운 호응 때문에 연장 전시까지도 거론되고 있었다. 다른 전시장으로 향하면서 보니, 아닌 게 아니라, 평일인데도 불구하고 또한 폐장 시간까지 얼마 남지 않았는데도 불구하고, 그의 파격 창조물을 접하려는 행렬은 계단 아래까지 연결되어 있었다.

파격이란 격식을 타파하는 개념인데, 모든 창조의 근원이다. 창조란 존재하지 않는 전혀 새로운 거시기를 만드는 작업이다. 파격을 허용하지 않는 인간 사회에 창조란 있을 수가 없다. 북한을 보라. 남한을 보라. 미국을 보라. 그리고 뉴욕을 보라. 파격 허용이 창조 결과와 얼추 비례하지 않는가? 관조하니, 알렉산더 맥퀸의 야성적 아름다움이 뉴욕을 찾은 것도 우연의 일치는 아니다.


유코피아 칼럼니스트 스티브 김 - 06 / 24 / 2011


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  2. 이선영 2012.11.13 09:34 신고 address edit & delete reply

    알렉산더 맥퀸이라는 사람을 처음 알게되었는데, 작품하나하나가 모두 파격적이네요, 저런옷을 과연 저도 소화할수있을까 하는 의문이 들고, 즐겁게 이미지들을 봤습니다,

  3. 추보경 2012.11.21 22:03 신고 address edit & delete reply

    알렉산더 맥퀸의 패션쇼를 보면 다른 패션쇼에서 볼 수 없었던 야생적인 느낌과 파격적이면서도 독특함을 가지고 있어 너무나도 아름답다는 생각이 듭니다.

  4. 정혜은 2012.11.22 23:59 신고 address edit & delete reply

    교수님이 강의시간에 동영상을 보여주셨더 기억이 나는데 제가 아직 예술과 디자인?에 대해 잘 모르다 보니 멋지다 라는 생각을 아직은 가지지 못하는 것 같습니다. 그치만 잊어버리지 않게 인상적이긴 한거 같아요.

  5. 김한솔 2012.11.30 17:22 신고 address edit & delete reply

    알렉산더 맥퀸과 그의 작품은 정말 파격적인 것 같습니다.
    동영상에서 계속 작품을 바꿔가는 모습이 정말 신기하고 새로웠습니다.
    알렉산더 맥퀸 그만이 할수 있는 정말 멋있는 작품인 것 같습니다

  6. 배규리 2012.12.06 13:58 신고 address edit & delete reply

    패션을 모르는 이들도 알렉산더 맥퀸을 알만큼 유명한 그가 세상을 떠났을, 아니, 승천했을 때 패션계가 받은 충격은 엄청났던 것으로 기억합니다. 팔기위한 '옷'이 아닌, 디자이너의 들끓는 열정과 창조성을 마치 몸에서 토해내듯 작품을 만들었던 그는 분명 이시대의 '아티스트'라 생각합니다. 우연히 패션매거진에서 본 맥퀸의 옷은 아름답다가 아닌 경이롭다라는 말을 써도 될 만큼 굉장이 놀라웠습니다. 패션 전공자는 아니지만, 한 시즌 한 시즌, 런웨이를 위해 열정을 불사르는 패션디자이너들의 정신은 마땅히 본받아야 한다고 봅니다.

  7. 추연호 2012.12.06 14:04 신고 address edit & delete reply

    멕퀸 이라는 디자이너의 열정과 그의 창작성을 느껴보며 저의 디자인에 대한 모습을 다시 한번 생각해보게 됩니다,
    단순히 디자인을 배운다는 생각만으로 만들어지지 않을 그러한 것이 있었네요.. 맥퀸의 디자인은 그의 창작성으로 정체성을 갖게 된 것 같습니다. 그 디자인은 일반적인 디자인이라기보다 예술성 또한 가지고 있는 것같습니다. 자신만의 디자인 정체성을 확립하기까지 그의 노력과 열정을 절대 간과할 수 없는 것같습니다. 저 또한 앞으로 저의 디자인적 정체성을 만들기위해 부단히 노력을 해야겠네요.

  8. 주상욱 2012.12.14 21:42 신고 address edit & delete reply

    보는 내내 인간의 숨겨진 본능이라는 것이 자극 되는 것 같았습니다.
    인간의 야성적이 본능에 따라 진다면 어떻게 될까라는 생각도 들었구요.
    보는 내내 인상적이었습니다.

  9. 허윤 2012.12.17 01:08 신고 address edit & delete reply

    나는 패션을 모른다. 패션이라 하면 비싼 메이커의 옷들이 좋아보인다. 그게 트렌드다 라고 생각해왔던것을 이글은 단 한순간에 깨버린 글이다. 상업성의 옷이 아닌 창의력을 사람몸을 도화지 삼아서 표현하는 예술이란 생각을 해보았다. 멕퀸이란 사람의 작업을 보면서 매우 충격적이였다. 와 저게 예술이구나 저개 패션이구나. 이태까지 생각했던 나의 진부했던 생각을 깨뜨리고 나에게 다른 방향으로 패션을 다가가고 생각할 수 있었던 시간이였다. 그리고 나도한번쯤 내가 생각하는 색깔을 패션으로 표현하고 싶었다.

  10. 허다경 2012.12.17 14:20 신고 address edit & delete reply

    처음에 이 내용을 봤을 때는 그냥 '디자이너의 작품을 설명하는구나'라고 생각을 했었는데 내용을 자세히 보니 재밌다는 것을 넘어서 너무 놀랐고, 정말 무서웠습니다. 작품들이 아름답다, 예쁘다, 이런 것이 아니라 '어떻게 저런 생각을? 왜 저렇게 했을까?'하는 생각이 먼저 들었습니다. 물론 작품들이 훌륭하지만 충격적이었습니다.

  11. 김장수 2013.03.10 22:47 신고 address edit & delete reply

    처음에는 이상하게 봤는데.. 보면볼수록 이상하게 빠져드는 아름다움이 있는거같습니다..
    야성적인 본능이 묘하게 빠져드는것 같은? 그런느낌이 드는거 같습니다..
    일반디자이너보다 열정적인? 디자이너같다는 생각이 들었구요
    예술이란건 역시 보면볼수록 신기한거같습니다!!

  12. 안지민 2013.03.12 14:57 신고 address edit & delete reply

    처음엔 폰으로 이미지만 둘러보다가 검은색밖에 안보여서 잘못됬나싶어 글을 클릭하게되었다. 디자이너에 관한 내용이라서 나랑 관련도없고 전혀 알만한게 없을꺼같았는데 첫 문단에 지방시나 레이디가가 등 아는 단어가 있어서 호기심에 읽어보게 되었다. 알렉산더 맥퀸이라는 디지이너를 생전 처음들어봤지만 글을 읽고 작품들을 보면서 너무 창의적이고 특이하다 생각했고 앞으로 많이 디자이너 작품들을 보면서 전과 달리 다양한 생각을 하면서 보게 될 것같다.

  13. 김경모 2013.03.24 23:50 신고 address edit & delete reply

    오늘은 무엇을 볼까 하고 둘러 보다가 털로된 옷이 너무 인상적이여서 들어와봤는데,,알렉산더 맥퀸이라는디자이너의 작품이라는걸 알고 놀랬다 알렉산더 맥퀀에 대해서는 인터넷에서 처음보게되었는데.. 그글은 그가 자살햇다는 내용이였다.. 오늘 본내용을 보고 왜 전세계 사람들이..그가 자살했을때 안타까워한지 알거 같다.. 그는 기본에 충실하고 다양한 기술들을 익혀 자신만의 다양한 작품 세계를 보여준거 같다 그리고 내가 좋아하는 지방시에서 디자이너로 일했다는 사실에 또 놀랫다.. 그가 자살을 하지 않고 살았더라면.. 위에서 본 작품을 능가하는 또다른..작품이 나오지 않앗을까라는.. 생각을한다.. 알렉산더 맥퀸 그는 정말 대한 사람인거 같다

  14. 이수경 2013.04.06 03:08 신고 address edit & delete reply

    알렉산더 멕퀸의 작품을 보면서 모델들이 사람이 아닌 정말 한 작품으로 느껴졌다. 옷도 아니고 사람도 아닌 것 같았다. 옷이 저 사람의 피부처럼 보여지고, 진짜 옷이 아니라 또 사람이 아니라 만들어진 어느 한 창조물인 것 같았다.
    그리고 자신의 머릿속에 있는 것을 과감하게 표현력으로 표출해내는 놀라운 능력을 가진 것 같다.

  15. 이윤수 2013.04.15 18:49 신고 address edit & delete reply

    엄청나다...
    알렉산더 맥퀸이라는 디자이너를 처음 알게됬는데 그의 디자인이 참 엄청나다라고 생각하게되었다.

  16. 하정민 2013.05.27 02:01 신고 address edit & delete reply

    알렉산더 매퀸을 보자 생각난 것이 릭 제네스트라는 모델이 생각 났습니다. 자신은 몸을 전신으로 문신을 하여 하나하나에 의미를 두며 매퀸 처럼 굉장히 파격적인 디자인을 추구 합니다. 수업시간에 매퀸의 패션쇼 동영상을 보았을때 입체영상을 통해서 패션쇼를 더 호기심을 가게 하고 신기하게 보았습니다. 그자리 그공간에서 바로 자신이 생각하고 마음이가는 디자인을 만들어 버리는 것을 보고 매퀸의 천재성에 놀라기도 하였습니다.

  17. 문명학 2013.06.11 01:49 신고 address edit & delete reply

    죽음과 가까웠지만 영원으로 남을 것이라고 생각합니다.
    거침없는 표현과 그것을 가능케하는 수준높은 기술 탁월한 감각,
    극도의 흥분과 그것을 놓치지 않는 이성... 아름답습니다.

  18. 김지영 2013.06.13 00:06 신고 address edit & delete reply

    '알렉산더맥퀸=야성적 아름다움=파격'이라는 말이 딱 어울린다.
    알렉산더맥퀸은 누구도 생각해내지못한 독특한생각을 하는데 그 독특한생각이 표현되어도
    전혀거부감없이 잘 받아들어진다는 것이 신기하다.
    특히 동영상에서 그자 작품을 만들때의 모습을 보면 정말 열정이 넘치는 것같다.

  19. 송아현 2016.10.25 19:33 신고 address edit & delete reply

    수업시간에 잠시 언급되었던 패션디자이너 알렉산더 맥퀸의 글을 다시 한 번 읽어보니 그의 천재성에 놀라게되었고 나도 맥퀸처럼 노력하는 사람이 되어야 겠다고 생각을 하였다.

  20. 조민지 2016.11.13 15:28 신고 address edit & delete reply

    매퀸의 작품 런웨이들 하나하나가 창의적이었고 말그대로 파격적이었다. 창의적이라고는 생각했지만 나로서는 그의 천재성을 모두 이해할 수는 없었다. 하지만 그의 작품 중 체스게임처럼 옷들을 선보이면서 모델들의 감정표현까지 하는 것은 여태 본 적이 없다. 그의 아이디어에 신선한 충격을 받았고 올해 내가 본 것 중 가장 흥미로운 작품이었다.

  21. 송연정 2016.12.16 13:00 신고 address edit & delete reply

    개인적으로 매퀸을 매우 좋아하는데,그의 아름답고 창의적이면서 탁월한 감각으로 이런 작품을 만들어 낸다는것에 정말이지 놀랍다고 생각한다


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